GAF 2025 ARTIST

[Artist's statements]
작가는 개인의 독립적, 파편적 기억과 관계의 흔적 속에 감추어진 다양한 감정들의 파편을 지리한 '조립(Assemble)' 퍼포먼스를 통해 작품을 완성하고 있으며, 그 존재는 바로 우리가 살아가는 세상 어디에나 존재하는 평범한 나, 너, 우리를 상징한다.
또한 환경과 타인에 의해 의미부여된 현대인의 이중성과 다양성을 형형색색의 가면 즉, 오일(Oil) 패턴에 변화를 주어 표현하고 있는데, 이는 시공간 속 섞이기 어려운 다양한 인격들의 흔적이 인간 스스로 만든 하나의 사회 규범 틀 안에서 시각적 연결성을 통해 유지되고 있음을 뜻한다.
다만 시각적 연결성의 내재에는 인간의 관계라는 것이 스스로 느끼기 벅찰만큼의 무한한 인내의 시간이 함축되는 험난한 과정인 만큼, 작가는 그 지리한 과정을 '조립(Assemble)을 통한 조각'과 '조각 속 생명(Media)'이라는 제작 방식을 거쳐 대중에게 선보이고 있다.

[Artist's statements]
Cheryl's thematic exploration revolves around how personal experiences and environments evolve with shifting perspectives over time, intricately connected to her immigrant background. Cheryl invites viewers to interpret her work through their unique experiences, fueled by her curiosity for the varied perspectives her paintings evoke.
셰릴의 주제 탐구는 시간이 지남에 따라 변화하는 관점과 함께 개인의 경험과 환경이 어떻게 진화하는지를 중심으로 전개되며, 이는 그녀의 이민자적 배경과 밀접하게 연관되어 있습니다. 셰릴은 자신의 그림이 불러일으키는 다양한 관점에 대한 호기심을 바탕으로, 관람객들이 자신만의 독특한 경험을 통해 자신의 작품을 해석하도록 유도합니다.

[Artist's statements]
Dominique’s artworks are atmospheric abstracted assemblages inspired by nature. They are explorations of materiality that dance between the ephemeral and the permanent.
Showcasing changing light, organic patterns, and stylized structures, each artwork is composed of multiple painted and manipulated papers. “In the works, many patterns are at play. They are the ones found in our veins, rivers, trees and skies. I use Lino printing, drawing, brush painting, rubbing and the Japanese marbling technique Suminagashi on a wide variety of papers to unearth their uniqueness and then engage in a formal dialogue of shapes, colours and patterns to make visible all the micro and macro connections between what’s above, below and within!”
도미니크의 작품은 자연에서 영감을 받은 분위기 있는 추상 아상블라주입니다. 덧없는 것과 영원한 것 사이에서 춤추는 물질성에 대한 탐구입니다. 변화하는 빛, 유기적인 패턴, 그리고 양식화된 구조를 보여주는 각 작품은 여러 장의 종이에 칠하고 가공하여 구성되었습니다. "작품에는 다양한 패턴이 작용합니다. 우리의 혈관, 강, 나무, 하늘에서 발견되는 패턴들입니다. 저는 다양한 종이에 리노인쇄, 드로잉, 붓 페인팅, 탁본, 그리고 일본의 마블링 기법인 스미나가시를 사용하여 그 독특함을 발굴하고, 형태, 색, 패턴의 형식적인 대화를 통해 위, 아래, 그리고 내면의 모든 미시적이고 거시적인 연결을 가시화합니다!"

[Artist's statements]
Within my process I connect with my work on a deep level, utilizing symbolism, narrative and subsequent self-reflection. Repeating within my paintings, are the themes of nature and home, interpreted from my own personal experiences. Through use of bold colour in acrylic within clean. designed lines, self-expression can be translated on an emotional level offering an inward investigation into who we are, while symbolizing the potential to create our own piece/peace in the world.
Through the act of painting, I revisit feelings, memories, and places, inviting the viewer to explore what they are feeling, where they have been, and where they wish to go. These worksare intended to be reflections on the path to living in harmony.
저는 작업 과정에서 상징주의, 서사, 그리고 그에 따른 자기 성찰을 활용하여 작품과 깊은 유대감을 형성합니다. 제 그림에는 제 개인적인 경험을 바탕으로 해석된 자연과 집이라는 주제가 반복됩니다. 아크릴 물감의 선명한 색채와 간결한 선으로 표현된 작품은 자기 표현을 감정적인 차원에서 해석하여, 우리가 누구인지에 대한 내면의 탐구를 가능하게 하는 동시에 세상에 자신만의 작품/평화를 창조할 수 있는 잠재력을 상징합니다. 그림을 그리는 행위를 통해 저는 감정, 기억, 그리고 장소를 되짚어보며, 관람객이 무엇을 느끼고, 어디에 있었는지, 그리고 어디로 가고 싶은지 탐구하도록 유도합니다. 이 작품들은 조화로운 삶으로 나아가는 길에 대한 성찰을 담고자 합니다.

[Artist's statements]
Blue Bossa
1960년대 모던재즈를 대표하는 곡인 '블루보사'는 심플한 곡이지만 이 주제가 끊임없이 변화해가면서 계속 새로운 음악을 만들어낸다. 그리고 이렇게 탄생되는 음악은 늘 새로우면서도 원래의 정체성을 유지한 또 하나의 &블루보사&가 된다. KoN(콘)의 &블루보사& 시리즈는 &블루&를 베이스로 하고 다채로운 색의 변화와 음악의 역동성을 우드캔버스 위에 마치 즉흥 재즈연주를 들려주듯 펼쳐놓은 작품이다. 악흥적 리듬과 다이나믹이 느껴지는 도상은 정상급 바이올리니스트로 활동중인 KoN(콘)의 보잉을 직접 보는 것 처럼 거침없이 휘몰아치며 흘러간다. KoN(콘)이 들려주는 '블루보사'를 들으며 이 작품을 볼 수 있다면 아마도 그것이 가장 훌륭한 감상방법일 것이다.

국내외 프로젝트에 참여하며 활동 영역을 넓혀가고 있다. 특히 Camouflage(위장 문양)을 모티브로 ‘LOVE CAMO’ 시리즈를 통해 감춰진 개성과 다양성, 공존의 가치를 전달하며, 한글과 전통 미술을 그래피티라는 새로운 예술로 표현하려는 실험적인 작업도 이어가고 있다.

[Artist's statements]
In my work, the blue fish symbolizes time, relationships, family, opportunities given to me, and peace. I symbolize the journey of life, where I build up the appropriate distance and trust between people, giving each other peace, and overcoming difficulties, just like the blue brush strokes pile up on the layers of Hanji paper. Blue brings a feeling of calmness and deep contemplation, and reflects the connection with nature and the flow of life. Through the blue fish, I share my belief in my inner peace and quiet power. Also, my personal growth and balance, my expectations for myself, and my deep heart and enlightenment for my family come to me as the control of emotions that wait silently in the deep sea, and come to me as consideration for each other.
제 작품에서 파란 물고기는 시간, 관계, 가족, 제게 주어진 기회, 그리고 평화를 상징합니다. 한지위에 파란 붓 자국이 겹겹이 쌓이듯, 저는 사람들 사이에 적절한 거리와 신뢰를 쌓고 서로에게 평화를 주며 어려움을 극복해 나가는 삶의 여정을 상징합니다.파란색은 고요함과 깊은 사색을 불러일으키며, 자연과의 연결과 삶의 흐름을 반영합니다. 파란 물고기를 통해 저는 내면의 평화와 고요한 힘에 대한 믿음을 공유합니다. 또한, 개인적인 성장과 균형, 저에 대한 기대, 그리고 가족에 대한 깊은 마음과 깨달음은 깊은 바다 속에서 조용히 기다리는 감정들을 다스리는 것으로, 그리고 서로를 향한 배려로 다가옵니다.

나의 작품은 관람자가 서서도 보고 쪼그려 앉아서도 보고, 작품에 시선을 고정시킨 채 좌우로 움직여도 보고, 이렇게 다양한 각도에서 감상을 하면, 보이던 것이 보이지 않거나 보이지 않던 것이 보이게 된다. 그래서 관람자의 시선에 따라 작품에 대한 인식은 제각각이 될 수밖에 없다. 마음을 기울여 이쪽저쪽에서 보지 않으면 보이지 않는 부분이 존재한다는 점에서, 나의작품은 모든 존재들의 각기 다른 삶의 모양새이면서 동시에 타자의 삶에 대한 우리의 다양한 태도, 인식이며, 궁극적으로 어떤 마음과 관점으로 대하는지에 따라 다르게 이해되는 각 존재들의 개별 이야기이다. 이렇게 나의 작품 하나하나는 개별 존재들이 살아내며 생성하는 단 하나의 이야기이면서, 동시에 관심을 가지고 따로 보고 다가서서 읽어내야 들리는 이야기이다.

Victoria's labyrinth style of landscape is an unique one. It evokes a myriad of associations from ancient writings to tile or knitted patterns, even mathematical principles to some. You will finding looking at the labyrinths within the paintings quite different from a distance tha on closer inspection. Please, come have a closer look.
빅토리아의 미로 같은 풍경화는 독특합니다. 고대 문헌부터 타일이나 뜨개질 무늬, 심지어 어떤 이들에게는 수학 원리까지, 무수히 많은 연상을 불러일으킵니다. 그림 속 미로를 멀리서 보는 것과 가까이서 보는 것은 전혀 다른 느낌을 받으실 겁니다. 꼭 한번 더 자세
히 살펴보세요.

Coming soon

오래 기억하고 싶은 마음들을 천천히 그림으로 남기며, 따뜻했던 하루와 계절의 잔상을 정성껏 담습니다. 자연은 늘 같은 듯 달라지고 계절은 변해도, 그 안의 온기와 생명력은 한결같이 흐릅니다. 저는 그 일상의 리듬 속에서 봄과 여름의 색과 따뜻함을 찾아, 그림으로 잃어버린 온기를 전하고 싶습니다.
특별한 의미를 붙이지 않아도 좋습니다. 그저 따뜻한 기억이 되어, 누군가의 마음 어딘가에 머물 수 있기를 바라며 오늘도채 집합니다.

Coming soon

초기에는 디자인 역사 속 상징적인 형태를 바탕으로 다수성과 소수성에 주목했고, 이후에는 공공 벤치나 1인용 좌석처럼 ‘함께 앉는 방식’에 따라 삶의 태도와 사회적 시선을 읽어내는 작업으로 확장해 왔습니다.
저의 작업은 단순한 형태의 반복이나 정렬처럼 보일 수 있지만, 그 안에는 사회 속 구조에 대한 관찰과 해석이 담겨 있습니다. 저는 익숙한 것 안에서 낯선 구조를 발견하고, 그 구조를 통해 우리가 살아가는 방식에 대해 질문을 던지고자 합니다.

현)한국미술협회 회원, 이수회원, 신구상회원

Coming soon

첫 번째 연작 ‘차일드후드’는 어린 시절의 순수함과 결핍을 하얀색 장난감 사진으로 표현하며, 자아를 드러내는 도구이자 사회·가정 속 여러 역할 뒤에 숨겨진 미성숙한 내면을 나타낸다. 두 번째 작업은 캐릭터 얼굴을 변형·가림으로써 ‘본캐’와 ‘부캐’, 그리고 칼 융의 ‘페르소나’ 개념을 시각화한다. 이는 현대인이 사회적 역할 속에서 잃어버린 자아, 표정 없는 내면, 그리고 SNS가 만든 가면 사회를 비판적으로 보여준다. 작품은 유머와 철학, 순수함과 삶의 깊이를 함께 전달하고자 한다.

이어〈모래 바람을 먹고 자라는 나무〉는 메마른 땅과 거센 바람 속에서도 뿌리내리려는 나무를 통해, 불안이 삶의 동력으로 변하는 순간을 그렸다. 마지막으로 〈대지 위에 생명〉은 뜨겁고 단단한 땅 위에서 서로 기대어 살아가는 존재의 형상을 통해, 흔들리되 무너지지 않는 공동체의 가능성을 말한다. 세 작품은 서로 다른 배경에서 태어났으나, 모두 불안을 결핍이 아닌 지속의 힘으로 바라보고자 한다. 이러한 태도는 개인의 감정에 머무르지 않고 시대적 경험과 공동체의 기억으로 확장되며, 불안 속에서 발견되는 희망을 작품 속에 담아낸다. 나의 작업은 감정의 층위를 포착하여 새로운 공간으로 전환하는 시도이며, 그러한 변환의 과정에서 서로를 비추며 하나의 숲을 이룬다.

Coming soon

주어진 환경 속에서 스스로 나아갈 방향을 정하고 그것을 이루기 위해 행동하는 것. 이 과정은 마치 돌탑을 쌓는 행위와 같다. 주어진 환경 속에서 적합한 돌을 골라 돌탑을 쌓는 인내의 시간 속에서 스스로 이루어 낼 수 있는 힘이 길러진다. 이것은 명상을 하는 것과도 같으며, 마음의 탑을 쌓는 그 순간, 순간들이 모여 지금의 나를 이루는 것이다.

작가는 서양화 재료를 바탕으로 작업하지만, 그 근간에는 동양적 정서와 미학적 사유가 깊이 스며들어 있다. 작가는 서양의 상징주의적 접근과 동양의 미학을 융합하여 감정과 사유가 공존하는 시적 공간을 창조하여, 회화적 치유와 감정적 울림을 통해 현대인의 상처를 어루만지는 감정의 쉼터를 제공하고자 한다.

인간이 가지고있는 모순과 이중성, 모호함, 자유의지 등에 관심이 많습니다. 즐거우면서도 공허한 파티, 받을땐 좋으면서도 부담스러운 선물, 그리고 모두의 이야기면서도 아무런 존재도 아니라는 의미의 주인공 노바디까지 나의 이야기는 모순 덩어리입니다.
가장 보통의 아이 NOBODY를 그리고 있습니다. 노바디는 누구일까요.
노바디는 그저 행복하고 싶은 곰인형 입니다.

이 과정은 조급해하지 않고 천천히 진행해야 합니다. 조심스럽게 그 층을 하나씩 들추어 내는 동안, 우리는 잊었던 색깔과 감각을 되찾게 됩니다. 이러한 탐구는 단순히 과거를 보는 것을 넘어, 내면의 깊이를 새롭게 이해하고 다른 존재와 연결되는 경험으로 확장됩니다. 조각되고 완성된 형상들은 모두 다른 개성을 지니지만, 동시에 하나의 작은 우주를 담고 있습니다. 그것들은 잊힌 것들과 발견된 것들 사이에서 형성된 고유한 세계로 남아, 그 안에서 지속적으로 빛을 발합니다.

무의식의 흔적을 감각적으로 기록한다. 레이어를 중첩하여 공간감을 형성하거나 그림자를 통해 실체를 부여한다. 흔적을 기록하는 매체인 스프레이는 노즐의 압력에 따라 흩뿌려진다. 흩어지는 입자, 부분적으로 모호한 경계는 우연의 시간을 표현한다. 이러한 과정을 거친 이번 작업들은 비가시적인 영혼과 시간을 시각화하는 탐구의 결과물이다.

[무궁화] 부드럽고 흥미롭게 풀어내고 싶다.
딱딱하게 접근하고 싶진 않지만, 뚜렷하게 상징하는 바가 있음에 비장함 한스푼 정도는 빼놓을 수 없는 무궁화다.
"시간의 층위를 따라 새겨진 기원과 소망, 염원. 그리고 지켜진 소소하고 평범한. 소중한 내 일 상 1970 년 여름에도, 2025년 오늘에도, 무궁화는 피고 진다. 내 가족, 내 친구, 나의 삶이 무한한 듯 다음세대로 이어지고 있다는 증거 같이 무궁화는 피고 지고를 반복한다.
조금은 경건해지고, 내가 가진 시간이 가치있고 소중해지며 오늘 나는 어떠한 하루들을 살고 있는지에 대해 거듭 생각하게 된다.
읽고, 쓰고, 걷고, 사랑할 수 있다는 것. 쉬고, 웃고, 소망할 수 있다는 것. 오늘의 가치, 일상의 가치를 감사히 생각하고, 충분히, 오롯이 누릴 수 있기를 바라게 된다. 그리고는, 나 또한 무궁화에 모두를 위한 소망과 염원을 담아본다.
"오늘을 사랑하게 해주세요. 더 단단하게 , 더 다정하게 ."

작은 행복과 희망이 모여서 일상의 풍요로움으로 연결된다는 메시지를 담고 복잡한 세상 속에서 잠시나마 나만의 행복을 음미하는 시간이 되길 바랍니다.

물고기는 개인의 내면 세계이자 동시에 언어의 형상, 원관념입니다. 수조 안에서, 혹은 물 밖에서 드러나는 물고기의 모습은 관객의 시선과 해석에 따라 달라집니다. 이는 언어가 개인의 고유한 경험을 완전히 전달하지 못함을 보여주면서도, 그 불완전함 속에서 서로의 감정과 마음을 연결하는 가능성을 품고 있습니다. 이 작업을 통해 우리는 언어로 표현할 수 있는 이야기보다 훨씬 크고 깊은 세계를 품고 있음을 말하고자 합니다.

가면은 감정이 보이지 않는다는 것을 표현하면서 감정 그 자체이기도 하다.

꽃이 늘 피어 있다면 우리는 만발의 순간을 고대하거나 그 감격을 알 수 없을 것입니다. 결국 시든 꽃은 추한 쓰레기가 아니라, 보이지 않는 생명의 경이로움과 아름다움이 여전히 이어지는 증표입니다. 우리의 삶도 마찬가지입니다. 기쁨과 감사는 불안과 슬픔, 두려움을 인내하지 않고서는 결코 알 수 없습니다. 현재의 기쁨은 과거의 인내에서 비롯되고, 현재의 슬픔은 다가올 기쁨의 징표입니다. 그러므로 오늘의 나 역시 삶 전체를 이루는 빛나는 한 조각이며, 남은 하루 또한 기뻐하고 감사하며 충실히 살아가야 한다는, 살아야 한다는 것 입니다.

이러한 다양한 매체의 기억의 조각은 원단 위에서 새로운 내용을 형성하며 과거와 현재를 엮어낸다. 바느질의 과정은 흩어진 기억을 수집하고 재배치하며 재해석하는 행위이다. 이 작업은 작가 개인의 서사와 지역성을 기반으로 하여 정체성 형성의 한 양상으로 확장될 수 있음을 나타내고자 하였다.

나의 회화는 특정한 서사보다는 감정의 단면을 시각화하는 장치로서 존재한다. 회화적 화면 안에서 ‘BIRD’는 하나의 조형 언어로 기능하며, 꽃과 기호적 형상들은 그 곁에서 감정의 장면을 형성한다. 이를 통해 관람자는 자신만의 감정을 투영하고, 내면의 언어를 발견하는 경험을 하게 되기를 바란다.

Coming soon

미유의 작업에서 보이드는 고정된 의미가 아니라 서로를 반영하고 연결하는 접점들의 집합으로 작동한다. 이 접점들이 나란히 배치되거나 겹쳐지고, 때로 간극이 남을 때마다 연결방식이 변화하며 새로운 이야기의 경로가 열린다. 따라서 작품은 확정된 결과물이 아니라 관람의 순간마다 다시 생성되는 열린 과정으로 기능한다. 작가는 완결을 서두르기보다 남은 흔들림을 수용하는 태도를 취한다. 화면의 균열, 마모, 비대칭 등 이런 흔적들을 실패로 규정하지 않고, 보이드가 드러나는 자리로 받아들인다. 이처럼 작가는 이미지의 완결을 목표로 삼지 않는다. 대신 이미지가 나타났다 사라지는 사이, 그 틈에 머무는 질문을 유지하려 한다. 불완전한 조각들은 그 질문을 전하는 언어가 되고, 보이드는 해석이 오가는 호흡으로 작동한다.

이는 데페이즈망 기법이 주는 일상성의 요소들로부터 벗어난 신선한 감각의 경험처럼, 기존의 어떤 장면도 재연할 것 없이 서로가 조우하며 하나의 구성물이 되고, 나는 다시 정제된 배경 위에 가져와 조각품을 촬영하듯 만질 수 없는 평면의 이미지로 시각화했다. 그리고, 오브제와 배경색을 심미적 요소로 활용하여 화면의 전체적인 조화에 중점을 두었다.
실제로 존재했던 대상을 사진으로 붙잡아 사진속에 영원히 살아있게 하는 롤랑바르트의 현존과 부재의 놀이처럼, 나의 행위는 사진적 의식을 행하여 오래되고 쓰임을 다한 사물들을 작품으로 재탄생시켜서 사물의 가치에 대해 재발견 해보고 사진 속에 아름다움으로 우리 곁에 영원히 다시 놓이게 하고 싶었다. 용도의 전후, 실재와 재현, 착시와 현시 그 사이에서 나의 감각은 느린 여행을 한다.

표면에 남겨진 결과 흔적, 의도된 비대칭, 파편적 요소들의 결합은 공예적 실험의 과정이자 동시에 완성이다. 각각의 조각은 독립적이면서도 유기적으로 연결되어 있으며, 착용되는 순간 몸 위에서 또 다른 맥락을 생성한다.
이 작업은 장신구를 단순한 장식이 아닌, 구조와 조형을 탐구하는 하나의 확장된 장으로 자리매김하려는 시도이다.

“돈도 그렇고 시간도 그렇다. 모든 것이 미터, 킬로그램, 칼로리로 계산된다. 물건만이 아니라 생물과 사람도 그렇다. 동물과 사람의 인구통계학만이 아니라 물건의 인구 통계학도 있다(물건의 수와 수명을 측정하는 것이 그것이다). 그러나 사람들은 태어나고, 살고, 죽는다. 잘사는 사람도 있고 못사는 사람도 있다. 사람들이 자신의 생활비를 벌거나 벌지 못하는 것은 일상 속에서이다. 즉 살아남거나 살아남지 못하거나, 또는 단순히 살아남거나 충만하게 살거나 하는 이중의 의미에서이다.” 라고 말한다. 일상적인 삶을 영위하기 위해 필요한 모든 것들은 지표적인 숫자로 치환되고 있다. 어느덧 사람들은 사물화되고 물질적 가치로 환산되었으며 도구로 전락해버렸다. 이러한 사회의 불편한 현실을 재현적이지만 비재현적인 파편들로 표현한다.

각 작품은 하나의 순간을 포착하여 보이지 않는 시간의 무게와 그 속에 녹아 있는 감각들을 탐구한다. 관람객들이 이 멈춰진 순간들을 통해 자신만의 시간 속에 숨겨진 감정과 기억을 재발견하고, 그 순간 속에서 새로운 사유의 계기를 발견할 수 있기를 바란다.

작업방식 또한 이러한 의미를 반영합니다. 복을 기원하는 뜻이 담긴 전통색인 오방색을 기초로하여 그에 파생된 색상들을 사용하며, 전통문양들을 작가만의 단순한 패턴으로 만들어부메랑에 페인팅하거나, 수십에서 수백 개의 부메랑을 조합해 하나의 형상을 이루는 조형물과 설치작업을 통해, 작가의 끊임없는 노력과 간절한 바람을 시각적으로 풀어냅니다. 석동미 작가는 "나의 부메랑은 던지기 전보다 조금 더 커지고, 더 반짝이는 별빛을 담아 돌아온다" 라고 믿으며, 희망과 성장의 메시지를 작품 속에 담고 있습니다.

saekdong-happy series는 오방색에서 발전한 색동이 주요패턴으로 활용되었고,
색동은 보통 아기나 어린이에게 사용되며, 건강과 행복, 장수, 그리고 행운을 기원하는 의미가 담겨 있습니다.

Coming soon

울펠트와 캐시미어, 일본산 마, 그리고 레드오크라는 서로 다른 재질의 조합은 그 감각을 물질로 옮겨놓은 장치이자 지지대이다. 부드럽고 따뜻한 결은 고요를 품고, 단단한 나무는 그 고요를 지탱한다.
두 점의 작품은 반복된 듯 조금씩 다른 밤의 표정을 드러내며, 창이라는 프레임을 통해 외부를 향한 시선이 곧 내면으로 이어질 수 있음을 보여준다. 밤은 언제나 바깥에 있으면서 동시에 우리 안에도 머문다.

Coming soon

감정이 차오르던 순간들을 캔버스에 표출해내는 과정은 온전히 나와 작품 간의 물아일체가 되는 순간이고 또한 가장 견디기 힘든 과정이지만 마지막 붓질을 통해 새로운 창작물을 구현해내었다는 희열을 느끼게 됩니다. 이렇게 얻어진 값진 순간들을 관람객들과 같이 편안하고 행복하게 바라보고 싶습니다.

송나래는 인위적이지 않은 에너지는 자연스럽게 흐른다고 믿는다. 그 에너지가 작업을 통해 다른 이들에게도 전해지길 바라며, 오래도록 소중한 것을 아끼고 돌보는 삶에 대한 이야기를 이어간다.

파란 풍경은 내면의 감정을 자연적 풍경을 통해 상징적으로 표현한다. 울트라 마린 색조의 파란색은 감정의 깊이를 드러내고, '파란(波瀾)'이라는 의미를 통해 감정의 파동과 시련을 상징한다. 이 색은 단순한 시각적 효과를 넘어, 감정의 신비롭고 복잡한 성질을 강조하며, 내면의 혼란과 치유의 과정을 물리적 풍경 속에 투영한다. "파란 풍경"은 감정의 부정적인 측면을 넘어, 인간 존재의 본질적이고 필수적인 경험으로서의 감정을 시각적으로 탐색하는 작품이다.

이 두 작업은 각기 다른 방식으로 내면의 심리적·정서적 상태를 드러내며, 그 감정의 변화를 미학적 언어로 풀어낸다. 내면의 섬은 고독과 치유의 공간으로, 파란 풍경은 감정의 변동성과 심리적 깊이를 상징적으로 담아내는 작업으로, 관람자에게 자기 성찰과 감정적 통찰을 유도하는 미적 접근을 시도하고 있다.

빨간 거짓말
사실을 사실이라 말할 수 있는가.
나의 작업은 사실과 추상의 혼재이다. 사실이라 하면 아니라 하고, 추상이라 해도 이해하지 못한다.
표현 부족인가 인식 부족인가.
몇 해 전 흑산도를 거쳐 홍도를 다녀왔다. 유난히 섬을 좋아하는 터라 홍도를 알아보기 위함 이었다. 홍도의 바위는 홍갈색의 규암질이다. 해 질 녘이면 섬 전체가 붉게 보여서 ‘홍도’라 이름 짓게 되었다고 한다.
물론 물질이 가지는 본연의 색도 있겠지만 빛에 따라 변하는 게 대상의 색이다. 석양 무렵이라 해도 방향에 따라 붉게도 검게도 보인다. 미세한 차이는 있겠지만 크게 보면 양분되는 것이다. 홍도(자연)의 현상 말이다.
바위는 붉다 못해 빨갛게, 바다는 노을빛이 있음에도 파랗고 푸르게 표현해 본다.
거짓이다.
세상은 진실을 선호한다.
진실과 거짓, 혼란의 아우성이다.
나의 그림은 사실이 아니다.
그렇다면, 거짓인가….

화면 위에 점으로 남은 공간의 흔적은연옥의 불투명한 현실적 시각 풍경을 추측하게 한다.

Coming soon

저는 작업 과정에서 유리가 가진 투명성과 반투명성, 날카로움과 부드러움, 강인함과 유약함이라는 이중성에 주목합니다. 이는 인생에서 마주칠 수 있는 관계의 형태, 삶의 양면성과도 닮았습니다. 제 작품속 기포와 중첩, 그리고 균열은 시간성과 상처의 흔적을, 열을 통해 단단하면서도 유연해진 다채로운 형태를 지닌 유리의 색과 아슬아슬한 어우러짐은 불완전하지만 아름다운 기억을 기록하는 방식입니다.

달항아리는 조선의 시대적 의미와 절제된 선비정신을 상징하며, 한국적 정서와 전통 미학을 담고 있다. 나는 백자의 단순한 조형미와 여백을 통해 삶의 흔적을 자유롭게 회화적으로 기록하며, 점, 선, 면을 활용해 이야기를 형상화한다. 청화 안료로 표현된 코발트의 자연스러운 농담은 나 자신의 자아를 상징적으로 드러내는 중요한 요소다. 자유로운 선은 인간의 존재성과 삶, 감정, 속성을 회화적으로 드러낸다. 나는 도자기의 물성과 그 속에 담긴 전통적 이야기를 단순한 기술적 성과가 아닌 예술 그 자체로 봐주길 바란다. 도자의 역사와 이야기를 바탕으로 한국적 미를 탐구하며, 현대 사회에서 느껴지는 인간의 감정을 ‘삶’이라는 큰 주제 안에서 드로잉으로 기록하려 한다. 이번 작업은 남녀 간 데이트 상황에서 기억된 장면들을 픽셀화된 도판 위에 담았다. 우리의 기억과 추억은 좋고 나쁜 순간들이 마치 픽셀처럼 조각나 남아 있다. 시간이 흐르면서 일부 기억은 희미해지고, 특정 순간만 선명히 남기도 한다. 이러한 기억의 단편들은 도자를 굽는 과정에서 단단해지지만 외부 충격에 의해 깨질 수 있는 특성과 유사하다.
나는 기억의 조각들을 짙고 푸른 코발트 색으로 도판 위에 기록하며, 관객이 각자의 경험에 따라 해석할 수 있도록 여백을 남긴다. 이러한 작업을 통해 전통과 현대, 삶과 기억이 만나는 지점에서 인간의 감정을 탐구하고, 한국적 미를 재조명하고자 한다.

이 시리즈는 다양한 형태로 질감을 표현하고 관찰할 수 있게 하며, 하나의 오브제를 완성한 뒤 남겨진 조각들이 다시 모여 새로운 형태로 이야기를 이어가기도 한다.
과정 속에서 만들어지는 우연의 결과로 가장 자연스러울 때 가장 아름답다고 믿는 세계관을 이어간다.

이는 일상의 공간을 ‘낯설게 보기’ 방법으로 시선 너머를 이해하려는 마음으로 작업한 풍경입니다. 가산으로 꾸며진 제 산수 그림은 풍경을 재현하기보다는 풍경을 차용해 자연 속에서 즐기는 놀이 공간이라고 할 수 있습니다.

집에서 가져온 광목천을 나무 왁구에 판판하게 고정했다. 천에 백반을 섞어 만든 풀물을 큰 붓으로 휙휙 발라 염색했다. 한 겹 바르고, 마르면 다시 바르고, 또 마르면 그 위에 다시 바르고, 조금 부어 붓으로 펼쳐 보기도 하고. 천에 물이 잘 스며들 때까지 붓으로 누르듯 문질렀다. 그렇지 않은 곳은 방울진 그대로 말라 동그란 얼룩이 생겼다. 빈 화면에 면이 나눠졌다.
찍어온 사진으로 기억을 더듬어가며 자수 실을 화판에 대어보고 색감을 선택했다. 열흘 정도 되는 시간동안 객실에서 자수를 놓았다. 자그마한 모양들을 수놓다가 풀물이 만든 우연적인 모양들을 채우기 시작했다. 우연과 의도의 만남이었다.

제주에서 지내며 만난 날들은 사랑하기에 충분히 아름답고 빛난다.
삶 또한 모든 순간이 빛이고 아름다움이다. 비록 그것이 고통일지라도 살아내는 자체로 모든 인생은 충분히 사랑 받을만큼 아름답다.

NAME series
“이름은 무엇인가?
이름은 ‘이르다’에서 시작된다.
‘이르다’는 무엇인가?
이름은 ‘닿다’와 ‘부르다’를 품고 있다.
우리에게 무엇이 닿았는가? 그리고 왜 불렀는가? NAME은 이 ‘닿고 부름’에 대한 이야기이며, 그 만남에 대한 이야기다.”

『NAME』시리즈는 이름의 회복을 통해 존재의 빛을 회복하는 여정이다.
모든 존재는 이름으로 시작되고, 이름으로 남는다.
이 작업은 김춘수 시인의 시 「꽃」처럼, 이름이 지어지는 과정을 통해 제작되며, 이는 각각의 존재에게 ‘이름이란 무엇인가’를 되묻는다.
도시 속에서 부품처럼 살아가는 현대인의 자화상을, 나는 레고 브릭이나 너트와 같은 다양한 부품들로 보았다.
그리고 그것들을 목적을 가지고 대하는 ‘나와 그것’의 관계가 아니라, '나와 너'로서 동등하게 마주하는 인격적인 관계로 전환하고자 했다.
종교철학자인 마르틴 부버의 말대로 우리는 ‘나’거나 ‘너’로서 독립적으로 존재하는 것이 아니라, ‘나와 너 사이’에 존재하기 때문이다.

이름은 ‘만남’과 ‘부름’을 통해 탄생한다.
회화는 ‘만나는 이름’의 시간이 되고, 사진은 ‘부르는 이름’의 순간이 된다.
따라서 부품을 손으로 잡고 그리는 행위는, 시인과 꽃이 서로의 자리에서 이르러 만나듯 나의 몸과 너의 몸이 동등하게 ‘만나는 이름’이다.
그리고 그렇게 회복된 관계의 흔적으로 생겨나는 그림을, 빛의 그림인 사진으로 담아내는 창작 과정을 통해 작업이 완성된다.
사진은 ‘부르는 이름’으로, 존재에게 이름을 지어주는 행위이기 때문이다.
이를 통해 하나의 부품은 하나뿐인 작품으로 새롭게 태어나게 된다.

『NAME』 시리즈는 관계의 회복(we: world of eden)과 존재의 회복(be: brick of eden), 이 두 축으로 구성되어 있다.
이는 각각의 존재가 자기 빛을 회복하기 위해서는 혼자가 아닌 ‘나와 너’로서의 관계 회복이 먼저 이루어져야 하며,
그 회복된 관계 안에서 비로소 자신만의 빛을 되찾은 존재가 그 빛을 통해 주변을 아름답게 물들일 수 있기 때문이다.

저를 둘러싼 일상의 자연이 남긴 기억의 흔적을 순간들을 기록하며, 순환하는 자연 속 빠르게 사라지는 추상적인 감각과 기억을 영속적인 조형물로 남기고자 합니다.

그리움은 길 위에서, 차 한 잔 앞에서, 음악을 들으며, 하늘을 올려다보며..불쑥불쑥 찾아온다. 어머니에 대한 그리움과 사랑은 끝내 멈추지 않을 것이며, 나는 여전히 바람 소리를 들으며 눈을 감고 그 흔적을 더듬을 것이다.. 내 아이들은 또 나의 시간을 기억할 것이다. 도대체 엄마가 필요 없는 나이는 몇 살쯤일까.

이 ‘익명의 공간'의 뒤로 놓여진 일련의 패턴들은 장소의 특징적인 요소들을 담고 있는데, 상호 주관적인 대상들과 ‘익명'이 하나의 객관적인 틀 안에서 주관적 세계와 이를 둘러싸고 있는 다른 주체들과의 관계를 이해하고 나 자신이 포함된 가능한 관점들이 존재하는 세계의 파악이라고 볼 수 있다.

Coming soon

열 두달 시리즈는 상현달로부터 하현달까지의 달의 모습을 대리석 알갱이들로 그려내고 크롬컬러로 반짝임을 더했다. 우리의 인생의 달의 모습처럼 상현달로 채워지는 시기도 하현달로 비워지는 시기도 모두 찬란하게 아름답다는 것들을 이야기하고 싶다. 채우고자 하지만 안타깝게 사라져버리는 것이 아니라 이미 가득차 다음 쳅터로 넘어간 것을 깨닫게 된 어느 날의 나의 심상을 동그란 캔버스에 담았다.

<구름자국> 연작을 통해, 작품이 오래된 시간을 품은 존재로서 일상의 잊힌 기억을 불러일으키고, 지금을 살아가는 힘과 위로가 되길 바랍니다. 이 작품이 각자의 시간과 존재를 깊이 들여다보고 삶의 의미를 발견하는 통로가 되길 간절히 소망해요. 동시에 우리가 가진 연약함과 강인함을 함께 품을 수 있기를 의도합니다.

이번 전시작품은 이집트의 주거유적 외에 고구려시대의 안악3호분과 통일신라의 석가탑과 같이 돌로 만들어진 유적을 대상으로 하고 있다. 특히 돌탑이나 돌무덤, 주거지의 주춧돌과 같이 돌로 남겨진 유적들은 유구한 시간을 견디어 인류에게 깊은 울림을 준다.
나의 그림은 언제나 그러하듯이 이번 작품에서도 기하학적 패턴과 색채 자체에서 안정감과 미학적 감수성을 느껴도 좋고 삶과 죽음, 도시와 경관 등 역사적 가치 속에서 상상을 불러일으켜도 좋을 것이다.

감싸는 행위를 통해 작가는 물성을 아주 가까운 거리에서 감각하며 재료의 새로운 가능성을 상상, 모색하고 있다. ‘코일링 회화’라 부르는 <감싸안기(coiling)> 시리즈는 부조의 형태를 가진 조형 작업에 가깝다. 재료의 표면을 단순 변화시키기보다 존재 자체를 드러내어 현재 우리가 공유하고 있는 공간을 나누는 경계로서 의미부여하고 있다.

이 작업은 순수함이 어떻게 억눌림으로 변하고, 또 어떻게 다시 회복되는지를 기록한 감정의 지도다. 관객이 이 정원과 풍선 사이를 오가며, 자기 안의 아이와 풍선을 동시에 발견하길 바란다.

저는 점에서 시작하여 향불로 구멍, 우드카빙, 스크래치 같은 작은 표현들이 모아져 큰 대자연이 주는 에너지를 그림에 담고 있습니다. 자연앞에서 느껴졌던 저의 작은 존재를 대변하고, 이 작은 표현들이 모여 큰자연을 담고 싶다는 소망을 가지고 작업하고 있습니다.

더는 달릴 수 없는 보드들에게 다시 숨을 불어넣고 싶었다.
그래서 나는 폐스케이트 보드를 재료로 삼아, 오브제로 다시 태어나게 하는 작업을 시작했다 이건 단순한 새활용이 아니다. 내 안에 남아 있던 작은 바람을 담아, 멈춰버린 것들에 다시 '자유'를 건네는 일이다.
나의 작업은 스케이트보드를 ‘예술'로 다시 태어나게 하는 일이다.
작은 개인의 바람부터, 이 세계의 소망까지...
그 이야기들을 오브제 위에 하나씩 써 내려가고 있다.

Coming soon

저에게 있어 물성의 이종결합이라는 작업은 작가 스스로 오브제가 되어 이들과 지속적인 대화로 어울리며 자칫 죽어있는 물질로 생각되던 많은 영감들을 이러한 과정으로 살려내고 이를 통해 작가 스스로도 새로이 태어나고 살아나는 영적 교감의 과정입니다.
앞으로도 자연을 소재로 저는 저의 이러한 예술적 삶을 이끌어가고 매순간 새로이 태어나기 위해 대자연에서 자연물을 수집하여 그 본질과 고민의 가치를 깨닫고 소통하고 싶습니다.

차가운 석재에서도 찬란하고 화려한 꽃이 피어나듯, 우리 내면의 ‘꽃’이 찬란하고 화려하게 피어나기를 바라는 마음을 담았습니다.

사랑했고 사랑할 것들을 위해 온전히 슬퍼하고 그리워하며 다른 감정이 피워갈 자리를 만든다. 유한한 시간과 관계를 어떻게 대해야 할지 제안하면서, 비정형의 관계를 다정한 언어들로 화면 위에 구현해본다.

이 작업은 경복궁에서 한복을 입은 전 세계의 사람들을 직접 섭외하여 플래시를 이용해 촬영한 것으로, 전통 공간을 연극적 무대로 전환시키며 타자와의 만남을 통한 자기 인식의 순간을 시각화한다.

행복하고 웃음이 가득했던 날의 기억, 외롭고 쓸쓸했던 하루, 어린아이가 꿈꾸던 상상의 장소, 오랫동안 방치되거나 아무도 찾는 이 없는 공간들의 조각을 다시 꺼내어, 해체하고 새롭게 조합하는 과정을 거친다. 현실과 환상 사이에 중간 어딘가에 존재할 것 같은 무한한 상상의 세계로 재구성한다.
익숙하지만 낯설게, 낯설지만 익숙한 공간들 속에 이야기를 담아내어, 사라지지 않고 잊혀 지지 않아야 되는 것들에 대하여 섬세하게 들여다보고 이전과는 다른 공간을 구축해나고 있다.